Artiste dessinateur, j’ai une pratique libre du dessin. Passant de la sculpture dessinée à la gravure ou la bande dessinée, j’aime me saisir des différentes techniques, supports et rapports d’échelle offerts par ce médium. Je porte une attention particulière aux détails. Que ce soit en peuplant mes images d’une multitude d’éléments, ou par la nature même du trait, j’essaie de perdre le regard du spectateur et l’inviter à la contemplation.

En tant que producteur d’images à l’ère de l’immédiateté, je crois important de repenser notre rapport au temps. La relation établie entre un producteur d’image et son spectateur est cruciale dans ma démarche. Il y a une relation directe entre le temps que je consacre à la réalisation d’une image et le temps que le spectateur portera sur celle-ci.

Autant inspiré par les mythes antiques que contemporains, les superstitions familiales que les légendes populaires, je produis des images énigmatiques teintées de magie, tout en abordant des questionnements personnels et contemporains. La relation inquiète et contradictoire que j’ai à la nature, le sentiment d’un rétrécissement du monde qui m’entoure qui va de pair avec l’accélération du temps et l’injonction à la productivité sont autant de problématiques qui nourrissent ma pratique.

Sensible à l’art romantique du XIXe siècle, je perçois un parallèle entre le besoin de certains artistes de cette période de réinvoquer l’imaginaire face à la modernisation, et ce que l’accélération frénétique du monde actuel nous impose. Ainsi, j’aime traiter le conte – art de la consolation selon Tolkien – comme une porte d’entrée vers une réappropriation de ce monde, et une manière de le réenchanter.

Il existe des fragments de mémoire qui ne sont pas destinés à être oubliés. Ils demeurent figés dans le temps, traces persistantes d’un passé qui s’insinue dans le présent. Comme des cicatrices qui palpitent sous la peau, ils nous rappellent qui nous sommes et d’où nous venons. Ces images naissent de la tension entre le souvenir et l’oubli, entre le visible et l’invisible, entre la lumière de l’histoire et l’ombre du refoulé. Elles deviennent alors des paroles silencieuses : des voix qui émergent là où les mots se dérobent. La gravure sur lino, par l’élimination patiente de la matière, fige l’image et l’inscrit dans un geste de transcendance identitaire ; c’est là où la cicatrice se transforme en force motrice. Dans le sillon creusé par la gouge, surgissent des figures, des gaufrages et des motifs qui évoquent l’imaginaire du Dahomey (Bénin). La dissonance du médium utilisé et de l’image représentée incarne ici la mixité et l’hétérogénéité de la moderne diaspora africaine. Elle trouve dans le processus de création son expression et son affirmation identitaire.

Imprimeur et graveur pour la Chalcographie du Louvre, mon travail artistique est lié à la longue tradition de la gravure d’interprétation. Inspiré par les matrices de cette collection centenaire, mes œuvres s’attèlent à reproduire avec vérité les photographies que je capture. Le photoréalisme auquel j’aspire est un élément qui me permet de tester les limites techniques et esthétiques de la gravure. Cette recherche se couple avec une utilisation classique des techniques parmi les plus anciennes : eau-forte au trait, aquatinte et pointe sèche.

La matérialité du cuivre et sa pérennité me conduisent à travailler autour des questions de la mémoire et du souvenir. Lier le passé et le présent de la gravure m’intéresse : concilier le caractère d’œuvre reproductible et destinée à la diffusion, avec l’espace d’expression personnelle prôné par l’art contemporain.

Mon travail explore les médias imprimés, le dessin et la peinture, oscillant entre ces différentes formes pour créer des images qui se focalisent sur la nature et la lumière. Je m’intéresse à la traduction de l’instant par l’observation sensible du réel puis par le processus créatif fractionné. À travers ma pratique, je cherche à questionner et redéfinir les rapports entre plasticité et paysage par une approche personnelle des techniques traditionnelles.

Je souhaite rassembler une expérience d’un temps présent, des souvenirs personnels vécus et des images issues de notre mémoire collective. Je cherche à y créer des espaces mentaux où ces éléments se mêlent et s’estompent. Ma pratique tente de confronter la perception subjective sensible à une vision « objective » et décontextualisée du monde et de l’histoire.

La représentation de la nuit et du paysage se trouve actuellement au centre de mes recherches. Il s’agit pour moi de trouver un moyen de l’apprivoiser, d’y rencontrer des personnages, des histoires et des espaces encore empreints d’une magie.

Je développe un travail autour de la frontière entre le familier et l’étrange, où des scènes du quotidien glissent vers une dimension plus ambiguë. Ma pratique est transdisciplinaire : de la peinture à la gravure sous toutes ses formes (bois, métal, lithographie…), en passant par le dessin, étape liminaire de toutes mes recherches. L’histoire de l’art, la peinture, le cinéma, mais également un répertoire d’images plus marginales comme les gravures populaires, les romans graphiques en gravure oules papiers peints panoramiques, sont autant de sources d’inspiration dans mon travail et font écho à mes propres expériences et souvenirs. Le temps, l’attente et les cycles de la vie sont mes thèmes de prédilection. La question de la représentation de la figure féminine dans l’histoire de l’art a également une place centrale dans mon travail et cette réflexion m’a amenée à mettre en scène essentiellement mon cercle intime, ma mère, mes sœurs, mes amies, en tentant d’en faire non pas des modèles passives mais bien incarnées et dont les personnalités et les sentiments surgiraient au delà de la représentation raisonnée du corps. Les mêmes figures réapparaissent ainsi d’une œuvre à l’autre, se croisent et interagissent, construisant progressivement un récit ouvert où le passage du temps devient perceptible. La pratique de la gravure sur bois occupe une place privilégiée dans mon travail. Je me suis progressivement tournée vers le grand format, dans une approche immersive, qui permet d’appréhender la matérialité de la matrice gravée. J’imprime toutes mes xylographies à la main, chaque tirage possède ainsi ses variations propres. Par la superposition de noirs ton sur ton et par l’impression « à la cuillère », je cherche à produire des nuances de gris et des profondeurs de noir qui troublent la lecture du procédé.

La gravure pose sans cesse le défi de l’humour dans la représentation, tant par le détail que le sujet traité. C’est donc par là que passe le plaisir que j’ai de composer et produire des images. Je me sens conduit, peut-être emporté, malgré moi, par la dimension sarcastique et populaire que le support gravé a toujours charrié dans l’histoire. Rembrandt l’utilisait pour montrer des loqueteux qui urinent, les révolutionnaires des têtes de nobles sur des piques. Je conçois l’image gravée comme un pistolet à bouchon, une arme inoffensive, une joie momentanée de renverser le rapport de force, de vilipender ceux qui exercent le pouvoir à travers des scènes. Il y a dans les gravures de la fin du XVIIIème siècle un aspect prométhéen, une recherche de l’émancipation et du meilleur qui passe par la représentation dégradante de l’adversaire. Je me sens porteur de cet élan qui vise autant à exalter qu’à condamner. Aussi, la gravure possède selon moi une fonction, celle de cibler et de brocarder, tel un bulletin d’agitation. Il s’agit d’être à la fois précieux et potache, d’user d’une débauche de moyens au service d’un pied-de-nez ou d’un camouflet.

Mon travail de gravure est avant tout intimement lié au dessin. Celui-ci, avant et pendant l’incision de la plaque, est essentiel, car il porte la vérité du propos. Mes images parlent du vertige : je dessine des instants suspendus, des moments désarrimés du monde, quand tout est clos mais que le sol se dérobe quand même sous nos pieds. Le corps et le temps se fondent dans les matières en mouvement. Le monde circule dans l’immobilité de la plaque, copeau après copeau, sans peur de la brume, de la douleur et des pincements au cœur. Parler de ma pratique de la gravure est aussi pour moi parler de la rencontre avec le burin. C’est un outil que j’ai découvert seul mais qui m’a relié aux autres graveur.e.s. et m’a apporté une sensation de vérité au bout des doigts. Il me questionne et fait évoluer sans cesse ma façon de dessiner. Le dessin n’est plus déposé, mais creusé lentement dans le métal. C’est ce contact direct avec la matière que je recherche, ce rapport physique avec la plaque, si lent et si doux, qui fait éprouver chaque geste consciemment. Chaque trait se met à la fois à exister seul, avec son début, son chemin, sa fin, et à la fois à exister avec les autres dans le mouvement, comme une nuée d’oiseaux.

Purgatoire

/pyʁ.ɡa.twaʁ/

Nom masculin

Lieu où les âmes des justes expient et se purifient de leurs péchés avant d’accéder au paradis.

Cette série de cinq gravures à la pointe sèche ouvre un chemin vers l’inconnu, un voyage aux frontières du réel.

À travers des scènes grand-guignolesques à la manière de Brueghel, se dévoile un theatrum mundi mêlant agents de la CIA, évadés de l’espace et déesses karmiques.

Ici, le vice n’est pas le propre de l’homme : de viles créatures pécheresses tentent de fuir leurs responsabilités.

Ni en enfer, ni au paradis. Dans le chaos le plus total.

« Charles-Élie Delprat est un peintre voyageur, et plus précisément un peintre marcheur. Il représente des paysages, mais aussi les parcourt, les arpente, se laisse travailler par eux. Ses paysages, ou plutôt des vues, sont des images choisies par un regard qui, à un certain moment, s’arrête, retenu par une lumière, attiré par une perspective. Ce regard, dont on sent immédiatement la présence et la quête, a conservé quelque chose de sa formation initiale : celle d’un architecte qui étudie les bâtiments et les espaces, les croque inlassablement pour s’en approprier les lois de construction et de perspective. On y devine aussi une dimension météorologique: une attention minutieuse à la qualité de la lumière, à la teinte du ciel et des ombres, au degré de sécheresse ou d’humidité de l’air. Cette appréhension du monde est celle de quelqu’un qui confesse « une petite passion un peu inavouable pour les nuages », pour une certaine rêverie, quelque chose de plus fluide et éthéré.

L’artiste possède une technique rigoureuse, employant des médiums traditionnels, au plus proche de l’artisanat, pour en maîtriser et explorer toutes les combinaisons et possibilités. D’où un soin tout particulier porté au choix du papier et à la préparation des fonds, devenus déterminants dans son travail. Charles-Élie Delprat parle alors d’une « dimension exploratoire ». Ainsi, chaque œuvre tend à devenir un exercice spirituel du regard, une relation qui se noue et s’approfondit avec un lieu. Cela se traduit souvent par un processus de transformation des images, qui, en étant retravaillées ou remémorées, se modifient, se croisent, s’assemblent pour former un paysage ayant l’intense réalité d’un souvenir sans être à proprement parler réel. Dépeuplé, ce monde se donne à voir sans projeter aucun autre affect que le sien pour « s’y confronter sur place, sans jugement de valeur à priori, et simplement les représenter comme une des choses qui composent le monde contemporain »

Diego Rivero.

Ma pratique se construit autour de la représentation du temps. Je cherche un temps palpable, si lent, si présent, qu’il semble habiter l’espace. Il est lié pour moi à une sensation, celle d’être immergée dans une ambiance jusqu’à m’y oublier. Cette recherche s’ancre pour moi dans un désespoir de la jeunesse. On se renferme dans la mélancolie, face à un monde qui nous échappe.
J’incarne alors un déni de la «réalité». Je cherche des espaces de refuge, attirée par le silence des espaces souterrains. Dans ces espaces de liberté, le temps est suspendu, on s’engouffre dans un vide. Je me fonds dans ce silence hypnotisant et y disparais. Il y a dans les profondeurs de l’obscurité une impression d’engloutissement, puis je vais trouver là de la lumière, un monde à part.
Dans l’exploration, comme dans la création, règne une même pulsion d’oubli de moi-même, pour n’exister qu’à travers ce qui m’entoure : l’espace de liberté d’un lieu en marge ou la plaque devient une atmosphère dont m’imprégner. Ma pratique se nourrit de ces lieux, elle survient comme une nouvelle temporalité. Cette étape de réalisation plastique, absorbée dans l’espace de l’image en construction, est une façon presque méditative de me réapproprier mon temps.
Mes œuvres sont autant d’invitations à faire une pause, contempler le vide. Avec la gravure, j’aime multiplier les étapes, gratter l’aquatinte, en poser une autre, revenir chercher au brunissoir du détail, du volume. Le travail de la matière me rapproche de l’expérience des lieux représentés. Quand je creuse et gratte le métal grainé de mon aquatinte j’ai la sensation d’en gratter les murs, chaque fissure dessinée dans une pierre plonge plus profondément cet espace en ruine.